Мода — це мистецтво? Це питання може викликати безкінечні дебати. Скептично налаштовані люди можуть стверджувати, що модна індустрія занадто комерційна, занадто пов’язана з товаром, порами року та людською фігурою. На їхній погляд, вбрання набуває значення тільки тоді, коли його вдягають. Само по собі воно нібито не може існувати так само, як існує полотно, статуя або інший витвір мистецтва. Однак, якщо звернути увагу на дрес-код Met Gala 2026, відповідь стає очевидною: так, мода здатна бути мистецтвом.
Картина Вінсента ван Гога поруч з одягом Yves Saint Laurent і Джонатана Андерсона для Loewe. Фото: © Anna-Marie Kellen / The Metropolitan Museum of Art
Реклама.
Історія надає достатньо доказів на підтримку цієї ідеї. Вона пам’ятає чимало моментів, коли вбрання ставало невід’ємною складовою культури та виходило далеко за рамки утилітарної функції. У такі моменти дизайнери могли змагатися з представниками сучасного мистецтва. Це не означає, що кожен предмет гардеробу слід оцінювати за музейними стандартами. Але іноді варто поглянути на важливі етапи модної історії крізь призму куратора. Такий погляд допомагає зрозуміти не тільки те, чому ці етапи були важливими самі по собі, а й те, як вони вплинули на культуру, стиль і наше сприйняття одягу в цілому. Далі — творці, які стояли за цими трансформаціями.
Ельза Скіапареллі
Photo: WWD/Getty Images
Твори Ельзи Скіапареллі є одним із найяскравіших доказів того, що моду довгий час недооцінювали як вид мистецтва. У міжвоєнний період Скіапареллі була тісно пов’язана з сюрреалізмом і співпрацювала із Сальвадором Далі та Жаном Кокто. Але через те, що вона створювала одяг, її роботи часто сприймали не як самостійний художній вираз, а як щось ужиткове та комерційне. Саме в цьому і полягає дилема. Сюрреалізм активно працював із темою жіночого тіла, підсвідомого й ексцентричного в повсякденному житті. А Скіапареллі переносила ці ідеї не на полотно чи в галерею, а в одяг. Її Shoe Hat і Skeleton Dress не просто цитували сюрреалізм, а втілювали його в реальності. Вони змушували говорити про тіло, жіночність, предмети побуту та межу між модою та мистецтвом.
Ів Сен-Лоран
Photo: PIERRE VERDY/AFP/Getty Images
Небагато колекцій так переконливо розмивали грань між модою та мистецтвом, як колекція Іва Сен-Лорана 1965 року. Приблизно чверть образів у ній відсилала до робіт Піта Мондріана — нідерландського живописця й одного з ключових представників руху De Stijl. Найбільш відомими стали лаконічні сукні прямого силуету в стилі 1960-х. Їхня чітка геометрична форма стала ідеальним полотном для кольорових блоків в основних кольорах — червоному, синьому, жовтому, білому та чорному. Шви, лінії крою та конструктивні деталі були точно вписані в чорні графічні межі, тому сама форма сукні гармонійно поєднувалася з композицією. Колекція стала одним із найважливіших прикладів того, як мистецтво може бути перенесено в одяг і при цьому не втратити своєї цінності.
Джанні Версаче
Photo: Sean Thomas
Мода завжди була близькою до поп-арту. Вона працює з жагою, візуальним образом, знаменитостями, масовою культурою та речами, які швидко стають символами своєї епохи. Саме це цікавило й поп-арт: не відсторонене “високе” мистецтво, а світ реклами, глянцю, кіно, облич і предметів, які всі впізнають. Енді Воргол добре розумів цей світ. У 1950-х він працював ілюстратором моди для Vogue, а згодом заснував Interview — видання, яке до сьогодні є важливою частиною модної медіа-сфери. У 1991 році Джанні Версаче звернувся до спадщини Воргола безпосередньо. Він створив вечірню сукню з яскравим колажем із портретів Мерилін Монро, одного з найвідоміших образів митця.
Рей Кавакубо
Photo: Spotlight/Launchmetrics
Архів Comme des Garçons сам по собі нагадує окремий курс з історії мистецтва. У 1990-х бренд знімав рекламні кампанії з Сінді Шерман. Він видавав культовий журнал Six з його складною, майже таємничою візуальною мовою. Від 1970-х Comme des Garçons працював із модою так незвично, що його часто простіше сприймати не тільки як модний дім, а як повноцінну концептуальну практику. Втім, з усього доробку бренду варто виділити колекцію Dress Meets Body, Body Meets Dress сезону весна-літо 1997 року авторства Рей Кавакубо. Кавакубо поставила під сумнів саме уявлення про те, яким має бути жіноче тіло в моді. Сукні в цій колекції не прикрашали фігуру у звичному розумінні й не намагалися зробити її “ідеальною”. Навпаки, вони викликали дискомфорт, напругу й дивне відчуття неспокою.
Мартін Маржела
Photo: Marcio Madeira/Style.com
Майже вся концептуальна мода від 1990-х так чи інакше сходить до Мартіна Маржели. Він демонстрував колекції на дитячих майданчиках у паризьких околицях. Створював кутюр із лляної тканини, яку зазвичай використовують для манекенів. А ще презентував білі речі разом із прикрасами з рожевого фарбованого льоду. Лід танув просто під час показу й залишав рожеві сліди на одязі моделей. Маржела постійно переосмислював саме поняття розкоші. Його одяг змушував замислитися над тим, із чого складається система: покази, цінність речей, авторство, матеріали, бажання, статус. Часто він не просто порушував ці питання, а руйнував самі правила, на яких трималася індустрія.
Александр Макквін
Photo: Rex
У модному світі слово “перформанс” часто використовують занадто вільно. Ним описують будь-який показ, де відбувається щось більше, ніж просто вихід моделей на подіум. Але у випадку Александра Макквіна це слово справді доречне. Його шоу були не лише презентаціями колекцій, а повноцінними виставами з власною драматургією, напругою та відчуттям небезпеки. Згадайте шоу Voss і Кейт Мосс у закритому скляному кубі. Або Шалом Гарлоу, яка кружляла на подіумі, поки роботизовані руки розписували фарбою її багатошарову тюлеву сукню. Або моделей у декораціях Borough Market, де їхні силуети мерехтіли у світлі палаючого автомобіля. Макквін вмів творити не просто одяг, а цілий світ навколо нього. Його покази впливали на глядача не тільки візуально, а й фізично: вони лякали, заворожували, тривожили й не дозволяли відірвати погляд. Він говорив про людське тіло, страх, жагу, красу, насильство та вразливість. Саме тому Макквіна можна вважати справжнім митцем, незалежно від того, працював він із тканиною, простором або виставою.
Марк Джейкобс
Photo: Courtesy Louis Vuitton.
Мало хто так наполегливо ставив мистецтво в центр уваги модної індустрії, як Марк Джейкобс протягом своїх 16 років у Louis Vuitton. Він став одним із перших дизайнерів, які перетворили співпрацю люксового бренду з художниками на окремий напрямок діяльності. Джейкобс відкрив масовій аудиторії яскраві, майже психоделічні світи Стівена Спрауза, Яйої Кусами й Такаші Муракамі. Ці колаборації змінили сприйняття Louis Vuitton. Традиційний французький дім, відомий насамперед дорожніми валізами, поступово перетворився на великий культурний бренд. Крім цих гучних співпраць, Джейкобс працював із Френком Гері, Сінді Шерман і Рей Кавакубо над більш скульптурними об’єктами для проєкту Iconoclasts 2014 року. Так він відкрив шлях до більш серйозного діалогу між модою та мистецтвом, у якому важливою була не тільки комерційна цінність, а й сам об’єкт, його форма, сенс і культурна значущість.
Шейн Олівер
Photo: Spotlight/Launchmetrics
Нью-Йорк — це місто, де мода, мистецтво, клубна культура й перформанс існують поруч. Одним з дизайнерів, які найсміливіше працювали на цьому перетині, став Шейн Олівер, засновник Hood By Air. Його бренд створив навколо себе цілу культурну сцену, в якій подіум став місцем для розмови про тіло, сексуальність, расу, квір-культуру, нічне життя та силу візуального образу. На подіумах бренду з’являлися художники та митці, зокрема Джуліана Гакстейбл і Вольфганг Тільманс. У той час такі появи ще не були звичайною практикою для модних шоу. У 2016 році Hood By Air навіть об’єднався з PornHub. Це був ризикований і дуже помітний маркетинговий хід, який сьогодні можна сприймати як один із ранніх прикладів вірусних партнерств у моді.
Телфар Клеменс
Photo: John Lamparski
Модні бренди вже давно беруть участь у великих мистецьких виставках і ярмарках. Але у 2016 році Telfar зробив це не так, як більшість. На Берлінській бієнале незалежний нью-йоркський бренд представив одяг не як елемент показу чи рекламної кампанії, а як частину мистецької інсталяції. У просторі виставки стояли манекени, схожі на самого Телфара Клеменса. Вони були одягнені в речі Telfar — повсякденний одяг із незвичними пропорціями й дещо дивним кроєм. Поряд показували відеоінсталяції Хіто Штайєрль та Джона Рафмана. Тобто речі Telfar опинилися в одному просторі з роботами сучасних художників, а не в магазині чи на подіумі. Це було важливо, оскільки Telfar показав: навіть комерційний одяг може функціонувати як складова мистецького висловлювання.
Джонатан Андерсон
Photo: Virgil Claisse/Gamma-Rapho via Getty Images
Джонатан Андерсон вже давно колекціонує роботи художників, підтримує мистецькі ініціативи й організовує виставки у великих лондонських галереях. У Loewe він часто робив мистецтво центральною темою колекції. Тому простори його показів часом нагадували не звичайний подіум, а тимчасові музейні експозиції. Один із найкращих прикладів — чоловічий показ Loewe осінь-зима 2024/2025. Простір шоу був схожий на каплицю. Але замість традиційних вітражів у ньому з’явилися колажі та відеороботи американського художника Річарда Гокінса. Вони виглядали наївно, майже по-дурному, але водночас мали відвертий еротичний підтекст. У відео чоловіки з оточення Loewe позували так, ніби перебували десь між образом cam-boy і святого мученика. Таким чином Андерсон говорив про культ чоловічого тіла в цифровій епосі. Це був коментар про вуаєризм, ексгібіціонізм і наше прагнення спостерігати за іншими.
Шинейд О’Дваєр
Photo: Sharna Osborne. Courtesy Sinéad O’Dwyer
Випускні покази модних шкіл часто дають дизайнерам більше свободи, ніж комерційні колекції. Саме там одяг може бути ближчим до мистецтва, оскільки автори працюють не лише з кроєм, а й із тілом, формою та матеріалом. Так було на магістерському показі Royal College of Art у 2017 році. Однією з найпомітніших робіт стала презентація ірландської дизайнерки Шинейд О’Дваєр, яка працює в Лондоні. У ній брали участь моделі різних розмірів і з різними фізичними особливостями. Вони позували спокійно й велично, майже як персонажі на прерафаелітській фресці. О’Дваєр представила скульптурні речі, створені за формами тіл двох її муз. Вони були виконані з екструдованого силікону, в якому ніби застигли складки сатину. Це були скоріше скульптури, ніж звичайний одяг: їх було складно відтворити й майже неможливо носити в повсякденному житті. Але ця презентація стала знаковою, оскільки прямо говорила про те, чого моді досі не вистачає: реальних жіночих тіл, різних розмірів і різного досвіду.
За матеріалами vogue.co.uk